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Monthly Archives: mayo 2009

front “Che, música para epígrafes, los otros días hablé con mi papá y me dijo que The Beatles son la banda más importante de los ’60”. Ok, más allá de que hay verdades innegables, y cosas que no vale la pena discutir, también existen otras cosas que es importante tener en cuenta cuando se analiza la evolución de la música. Seguro, los Beatles son los más importantes, pero no por eso los únicos especiales, o ni siquiera los autores del mejor disco de la década.

The Velvet Underground, los neoyorkinos apadrinados por Andy Warhol eran gente especial. En sus filas, que variaban de disco a disco, convivieron tres de los nombres más importantes para la música popular moderna como lo son Lou Reed, Nico (triste e injustamente, más conocida por su historia con Morrison, que por sus propios méritos) y el multi-intrumentista John Cale. ¿El resto? Ok, eran relleno. La banda tenía una propuesta totalmente diferente a todo lo que se hubiera oído hasta ese momento, saliendo de la simple busqueda de melodías bonitas (que ojo, las hay) y navegando en los oceanos del feedback, la experimentación, los ambientes oscuros, y las letras que hablan de la heroína o la infinita tristeza en vez de “ojalá seamos más grandes para estar siempre juntos”.

Este primer esfuerzo estuvo grabado con poca plata, y ni la peor producción del mundo pudo ocultar la genialidad de las composiciones, y lo visceral del disco. El album abre con “Sunday Morning” sobre la que Nico canta sus versos como un mantra mientras la banda suena de fondo como una caja de música. La viola de fondo da ambientes que tienen más que ver con el shoegaze que con el rock n’ roll de la época. El segundo tema, “Waiting for My Man” es la urgencia de New York contenida en una canción de cuatro minutos. El tema puede sonar a cualquier estado de ánimo, pero es continuo, nunca se detiene, igual que la ciudad. El tema, cantado por Reed, alcanza micro climax todo el tiempo gracias a la magia de Cale, y ayuda a la sensación de constante movimiento. Volviendo un poco a la calma del primer tema, llega “Femme Fatale”, una canción oscura disfrazada de gema pop. Los coros con los que la banda apoya a Nico suenan más a lamentos que a apoyo vocal. Brutal.

Llegando al tema 4 es donde la banda se libra de sus ataduras y nos hace entrega de sus composiciones más brutales y representativas. “Venus in Furs” es la portadora del riff más imponente de la época. Su tiempo ralentizado, la voz apagada de Reed y la disonancia de la viola de Cale la hacen inconfundible. Este tema, más que de una banda de los ’60, parece los momentos más sacados de grupos como Can, o incluso, con la distorsión correcta, podría sonar a doom metal. El coro es una explosión de melancolía donde la emotividad de Cale para tocar brilla con luz propia. Esta canción fucking arrasa, y deja al oyente sumido en la intranquilidad cada vez que Reed repite “different colors made of tears”. En el mismo espiritu, y más rocanrolera, “Run, run, run” es un himno para escapar. Ya sea de un campo de concentración o una fiesta de gala, la retirada es inminente. El sólo parece más de Sonic Youth que de rock clásico. Además, este es el tema donde Reed suena más cargado de energía, un cambio agradable que aporta variedad y frescura al flujo del disco.

“All Tomorrow’s Parties” vuelve a poner a Nico al frente del sexteto en la que quizás sea la mejor composición del album. Llena de matices, climas, y aportando magia a lo My Bloody Valentine, la canción con su tiempo lento, y casi arrastrado es un mamut sónico e imparable. La fluidez con que se cruzan las voces de Nico, el bajo y los arreglos de Cale son de una frescura inimitable que ninguna otra banda de rock pudo imitar. Pueden seguirse muchísimas melodías distintas a lo largo del tema, y lo más interesante, es que todas son efectivas. Del mismo estilo, pero del extremo opuesto del arcoiris, llega el siguiente track, “heroin”. Aquí se cambia la dulzura de Nico por lo sórdido de Reed para hacer relatos de la cotidianeidad de un adicto que no encuentra su lugar en el mundo. La canción crece hasta explotar en una orgía de noise rock, sin cuya inspiración, el under de los ’80 no habría sido el mismo.

Tras esta corrida altamente comprometida emocionalmente, la banda decide bajar un poco la intensidad y presentar dos nuevas gemas pop, “There She Goes”, cantada por Reed y “I’ll be Your Mirror”, por Nico, que ayudan a volver a estabilizar el disco. Estas canciones meramente relajan al oyente y lo preparan para lo que sigue, el climax más cáustico del disco.

“The Black Angel’s Death Song” realmente suena a una canción de muerte, sobre la que se suceden los sonidos, y la viola de Cale nuevamente toma el protagonismo. Sobre esta base cáustica Lou Reed relata la historia que introduce a “European Son”, un tema estilo rock and roll donde la banda empieza a crecer en brutales explosiones mientras se escucha que se rompen vidrios y rugen leones. El movimiento es brutal, y el manejo de la intensidad, incomparable. La banda simplemente estalla en cada nota metiendo segmentos de noise sobre un bajo que intercala riffs pegadizos con machaques que no desentonarían en una banda de stoner rock. Tras unos casi 8 minutos, la composición concluye, dandole un cierre coherente, lógico y brutal mientras la banda se desvanece en esa última nota, convenciendo al oyente de que acaba de escuchar algo totalmente diferente a cualquier propuesta anterior o posterior.

The Velvet Underground and Nico es un disco que en ningún momento explora puntos medios, y fluctúa entre la belleza y la sordidez sin darle tiempo a nadie de recuperarse. A muchos oyentes puede costarle entender que no haya un hilo conductor en el disco, y que prácticamente se trate de dos bandas distintas, pero precisamente ese es el detalle que hace a la banda única. La banda tiene algo para todo el mundo, exactamente igual que su New York de origen, y si alguien no supo encontrarlo, es porque no está buscando lo suficiente.

Link de descarga: Mediafire
Rating total: 10/10

-Federico Lo Giudice

Hola, lectores del blog. Este es un post corto, e informativo: por lo que queda de esta semana y la que viene, no voy a poder realizar actualizaciones, por un viaje que tengo planeado, y un par de cuestiones personales. Espero pronto volver con todo. Para ir calentando la espera, los próximos reviews son:

-The Velvet Underground & Nico – The Velvet Underground & Nico (1967)
-Sonic Youth – The Eternal (2009)

Saludos, y nos leemos pronto.

-Federico Lo Giudice

thrill210_trts_LPTortoise es una banda de credenciales ganadoras, llena de músicos talentosos, y encargada de algunos de los discos más inteligentes de los 90, y un par del 2000. Por sus filas estuvo también David Pajo, guitarrista de los legendarios Slint, e incluso sus reemplazos no tienen nada que envidiarle. Este nuevo esfuerzo es el primero con material original y propio desde “It’s All Around You” de 2004.

La banda en este disco se presenta más jazzera que de costumbre, rompiendo un poco con las etiquetas de math rock y post rock, con varias bases de sintetizadores sobre las que las guitarras y batería dirigen los matices y líneas melódicas.

El disco en sí, es parejo, pero la banda demuestra realmente por qué son especiales con temas como el opener “High Class Slim Came Floatin’ In”, o la épica “gigantes”. Los tonos jazzeros son realmente especiales y la banda logra una calma que en ningún momento pasa por simple zapada o riff derivativo. La banda suena totalmente metida en estos temas. Las demás canciones, pecan de realmente no estar a la altura, y de sentirse un tanto más derivativas. Ojo, no hay momentos malos, o que el disco parezca monotono, pero es inevitable notar que algo falta y que, quizás, las ideas podrían redondearse un poco más para que las canciones suenen más potentes.

Beacons of Ancestorship es un album donde la banda da rienda suelta a su costado más jazzero y enseña algunas de las composiciones más complejas que hayan escrito, con el problema de que por esto se hecha en ausencia la generación de climas que hizo tan especial a albumes como “Millions Now Living Will Never Die”. El disco no suena mal en ningún momento, pero definitivamente se extrañan los climas que podía generar la banda, o la evolución y puntos altos que alcanzaban canciones como “djed”.

Link de descarga: Depositfiles
Rating total: 7.5/10

(Sale por depositfiles y no MediaFire porque Mediafire es demasiado gay para tener un album en 320 kbps)

-Federico Lo Giudice

513546b1f2b64194060d1a3aa8d7a06e_fullUna forma de dividir el universo musical es en “personas que son Rob Crow”, y “personas que no son Rob Crow”. Es una lástima que las “personas que son Rob Crow” sean tan pocas. Además de proyectos como su carrera solista, los stoner rockers Goblin Cock o los relajados Pinback, otra veta para la creatividad de este señor fueron los noventosos Heavy Vegetable, una de las bandas más originales de la época.

Heavy Vegetable es una banda que combina armonías vocales masculinas y femeninas, melodías poperas ideales para cantar sobre bases de batería de Math Rock y guitarra exactamente en el medio de dos mundos. Al oir la combinación, las dos corrientes parecen hechas la una para la otra, como tostadas y dulce de leche. Y justamente, este Frisbie es una obra única en calidad, lo más representativo del trabajo de la banda con 28 canciones inimitables de alrededor dos minutos de duración cada una.

El disco es totalmente impredecible y no se sabe qué esperar de cada canción, con que te van a sorprender. Genial ejemplo de esto es que el disco arranque con la apacible “Still Moving” y que conecte con la tensionada “Cotton Swab”. Las armonías vocales son simplemente únicas, y cuando finalmente entran las guitarras las canciones simplemente sacuden. De nuevo, no se puede recalcar lo suficiente lo únicas y especiales que son las armonías, como se nota en “Crash” y “P.O.E.”, que practicamente funcionan como un único tema, conectados a la perfección. El final de “P.O.E.” con su “Oh yeah, it’s getting late now, guess it’s time to go to bed now, now, now, now” promete grabarse en cualquier cabeza a primer escucha.

Otro genial ejemplo es “Jackie Chan Is A Punk Rocker”, totalmente aleatoria e indecriptible pero aún así arreglandosela para dejar clarisimas melodías y una de las baterías más complejas que haya tocado cualquier grupo en los 90’s. “Henry Mancini Goes Surfing” cuenta con una intro surfera para dar paso luego a geniales guitarras que poco y nada tienen para envidiarle en complejidad a cualquier grupo de Math Rock.

La muestra más clara del talento explosivo de esta gente, sin embargo, es su única canción “larga” en todo el disco, “Going Steady With The Limes”, una combinación exacta y precisa de todo lo que estuvo bien a lo largo del disco en un épico de seis minutos y algo de duración. Si alguien buscara en un diccionario “Heavy Vegetable”, esta es la canción que aparecería. Complejas melodías vocales se cruzan contestandose sobre guitarras épicas mientras el baterista no hace más que magia y complacer al oyente. Simplemente increíble.

En definitiva, Heavy Vegetable es una escucha única, increíble, creativa, original y diferente a todo lo que hayas escuchado antes, una veta más del talento único y el genio de Rob Crow. Y Frisbie es una sucesión de grandes momentos, un grupo de artistas en la cima de su creatividad, sorprendiendo con cada nota, totalmente únicos, y adorables. Quizás hubiera sido interesante profundizar en algunas ideas y hacer canciones un poco más largas, pero por otro lado, es exactamente ahí donde está la magia de la banda. Heavy Vegetable escribe gemas pop de bolsillo, imposibles de no disfrutar como si fueran caramelos.

Link de descarga: Mediafire
Rating total: 9.7/10

-Federico Lo Giudice

balf-quarrySe supone que el noise es un género difícil de tragar, que requiere varias escuchas, y en algunos casos extremos, un poco de masoquismo para poder disfrutar de la experimentación / mutilación (depende quién lo vea) de los músicos. El noise (AKA, “el nuevo punk”), en algúnos casos, tiene más pretensiones de espantar a la suegra que de encontrar melodías, sonidos y armonías.

Esto tiene que ser totalmente olvidado a la hora de escucharse a los Magik Markers, uno de los primeros apadrinados del sello de Thurston Moore, Ecstatic Peace, ya que, a fuerza de bases mucho más poperas y voz femenina parecen buscar un punto entre la corrosión del noise y la melodía del pop-rock.Esto no es complicado de imaginar, básicamente se trata de un rock pop con guitarras saturadas, un intento de llegar a las dos audiencias, pero sin darle exactamente lo que busca a ninguna.

El esfuerzo de este tercer album, si bien más consistente que los anteriores, no pasa de “genérico” en sus mejores momentos. La experimentación llevada a cabo en tracks como “the lighter side of hippies” o “7/23” no termina del ser todo lo interesante que podría, y la banda suena bastante cansada. Los tracks más tradicionales tampoco brillan demasiado, y “Don’t Talk in your Sleep” o “Psychosomatic” (quizás el mejor tema del disco), si bien tienen un par de melodías interesantes, en ningún momento terminan de llamar la atención. Básicamente, el oyente termina escuchando el disco y pensando “Ok, ¿qué más?”.

Magik Markers tiene el problema de querer acercarse a todo el mundo, pero termina no ofreciendole a nadie lo que busca. Demasiado noise para ser pop rock, demasiado crudos para ser indie. En querer encontrar un punto medio que deje a todos contentos, entregan un disco seguro que no transmite peligro ni emoción en ningún momento, una banda en piloto automático que parece no tener ganas de hacer el esfuerzo.

Link de descarga: Mediafire
Rating total:  3/10

-Federico Lo Giudice

cover_8531462008 Hablar de Hella es distinto a hablar de casi todas las bandas del planeta porque, básicamente, no tienen nada en común con nadie. Hella es una suma de ingredientes totalmente explosiva, donde no se sabe si son minimalistas o simplemente tratan de meter la mayor cantidad de sonidos en la menor cantidad de compases. Es complicado escucharlos sacandose de encima todos los prejuicios que pueden saltar a la hora de describirlos, pero en Música para Epigrafes somos tan buenos que vamos a hacer el esfuerzo.

Vamos por partes: Hella son un duo estadounidense, con un guitarrista y un baterista. Eso sí, olvidate de los White Stripes, esto no podría estar más lejos. Hella, con sus únicos dos instrumentos hacen algo del math rock más pesado jamás escrito, con elementos de noise, fills de batería por todos lados (siempre es lo primero que salta cuando se menciona la banda a alguien que la conoce, “qué buen baterista”), y líneas de guitarra que a pesar de todo esto, se las ingenian para ser sorprendentemente melódicas.

El estilo de Hella, corrosivo, con poca variedad de sonidos, acelerado, urgente, destructivo, no tiene termino medio. O te gusta o no. Y a la vez, “Hold Your Horse Is” es Hella en estado puro, el duo totalmente desatado y más salvaje que nunca, sin voces ni bajos para matizar como en discos posteriores (especial mención a “there’s no 666 in outer space”, que esperamos cubrir pronto). El disco arranca con la cuasi nintendo-core D. Elkan para liberar una ola de destrucción en Biblical Violence, el ejemplo perfecto del sonido Hella.

Los mejores temas del disco son aquellos donde la banda deja intuir su gusto por la melodía y cambios de tiempo, enterrados debajo de los fills de batería, para luego lograr estallidos impredecibles, marca registrada de la banda. Ejemplos por excelencia son los mejores tracks del disco: “City Folk Sitting, Sitting” y su interludio son absolutamente épicos, mientras que la calma de “better get a broom” y sus bajadas de tiempo agarran al oyente desprevenido siempre. El tercer tema que hay que mencionar es “Been a Long Time Cousin”, absolutamente impredecible, y con partes donde la banda practicamente invita al pogo. Caótica.

Hold Your Horse Is presenta a un Hella desatado y salvaje, que no será del gusto de todo el mundo, pero que es una de las propuestas más únicas de la última década, y una prueba de que las canciones brillan con luz propia y no hacen falta productores, ruiditos o letras bonitas para transmitir emociones. Lo criticable es que no hayan sabido matizar lo suficiente, en algunos temas. Se nota que son competentes pero entre tanta explosión hace falta algo de calma para contrastar.

Link de descarga: Mediafire
Rating total: 8.7/10

-Federico Lo Giudice

19689 Mientras que los viejos paradigmas se caen y las discusiones de si la electrónica es una forma de expresión tan válida como la música hecha con guitarras pierden sentido, se hace cada vez más evidente que la música se trata de el resultado y no de cómo está hecha. En busca de caminos alternativos, sonidos nuevos, y originalidad es que surge el Dubstep, escena hoy semi-consagrada de la mano de artistas como Flying Lotus, Four Tet, Burial, u otros del sello Hyperdub.

Justamente, el EP que da título a esta nota tiene de especial que combina a dos de los mayores talentos individuales de la escena, en dos canciones que se acercan a los 9 minutos de duración cada una. Por trazar una analogía, esto es el equivalente a que Frank Black y Thurston Moore se sienten a componer canciones juntos. Que trabajen Lennon y Morrison. Johnny Cash con Bob Dylan. La créme de la créme. Y por si esto fuera poco, el equipo suena arrasador.

El primer tema, “Moth”, es bastante diferente al Burial de siempre, y se nota la mano de Four Tet. El sintetizador, por supuesto, nunca llega al punto de invitar a la pista de baile, pero para el material usual de Burial, esto definitivamente está mucho más arriba en tempo. El beat y voces sampleadas son el clásico Burial de Untrue en sus mejores momentos (valga la redundancia). Ya llegado al break, es Four Tet en estado puro, con un genial crescendo, de proporciones épicas que da paso de nuevo a las bases. El tema, tras el climax va lentamente quitando capas de sonido hasta simplemente dejar el beat básico que da paso a la estática Burial.

Sin que haya más que un par de segundos para reponerse, arranca Wolf Cub, con una melodía de tonos casi asiáticos sobre la que se superpone otro teclado, y luego un tercero, intercambiando líneas en un juego interesantísimo. Este juego se va desvaneciendo dando paso nuevamente a los beats de Burial. Cuando regresa la melodía, el efecto es arrasador, y se alcanzan niveles de intensidad realmente épicos, especialmente cuando aparecen nuevas líneas de melodía, inspiradísimas. Tras este climax, el track se detiene repentinamente, dejando un único beat que recuerda mucho más a Four Tet que a Burial, casi como si se turnaran. Sobre este beat, de todas formas, aparecen más samples de voces estilo Untrue, mostrando todo el brillo y lo mejor de ambos  artistas.

Moth / Wolf Cub es un EP de tonalidades oscuras, que muestra el talento real y crudo que Four Tet y Burial poseen. Es realmente genial escuchar, aunque sea en sólo dos tracks a dos artistas que se entienden tan bien, y tienen una química explosiva juntos, y aún así son capaces de dejar sus marcas personales en los temas. Se podría acusarlos de que dos temas no son la gran cosa, y que cualquiera tiene suerte dos veces, pero sin embargo, cuando se bucea por la discografía de los dos artistas, se nota que encontraron puntos comunes y sacaron lo mejor de eso. Este EP es simplemente consistente, coherente, lógico, y, a pesar de ser electrónico, absolutamente honesto y orgánico. Aplausos para los de Hyperdub por una alianza tan exitosa. Ahora, a esperar los próximos albumes enteros.

Link de descarga: Mediafire
Rating total: 10/10

-Federico Lo Giudice

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El dubstep es un sub-género de música electrónica, experimental y minimalista, donde más que privilegiarse los ambientes bolicheros, explosivos y para arriba,  se tiende a la introspección. Olvidate, al momento de oir esto, de tipos como Tiesto, esto es el extremo opuesto del arcoiris.

Svpreme Fiend es un músico de la escena del Dubstep, y poco más se sabe de él. Oscuro por naturaleza, y sin ningún album oficialmente lanzado, su música recuerda a algunos artistas pero con un giro interesante. En estas composiciones (todas en un único track) puede venir a la cabeza Burial (obviamente, el primer paralelismo que salta) o Flying Lotus. Sin embargo, el trabajo no está cubierto por el detallismo sutil de Burial, o sus infinitas capaz de tristeza, de hecho, el ambiente es bastante esperanzador.

Los sintetizadores llevan casi toda la carga melódica de la base, sobre la cuál se construye un beat constante que va ganando potencia en cada repetición. Los detalles van sumandose de a poco, y son especialmente interesantes los sonidos estilo ballenas, o aullidos. Las pocas voces que se escuchan, enterradas en la mezcla forman un espectro siniestro, pero que sin embargo no sigue los esquemas de tension/descarga en ningún momento.

Es complicado hablar de temas destacables y no de esta mezcla como un todo, ya que se nos presenta como una única cosa, con un ambiente progresivo y evolutivo, pero “Prover”, y “Haunter” son dos tracks definitivamente ganadores. El mejor ejemplo, y el más inspirado, que explica a la perfección de qué se trata Svpreme Fiend es sin embargo “Assurer”, un mamut sónico, cuidado, detallista, y efectivo. El track, el más acelerado de la mezcla, invita a bucear hondo y explorar, mientras los sonidos de la profundidad se mezclan con los gritos/sintetizadores. Genial.

A Svpreme Fiend se lo nota con animos de experimentar, pero todavía inseguro con cuál es su lugar, y qué es lo que mejor le funciona, por eso algunos tracks pueden sonar dispersos. Sin embargo, si se chequéa su MySpace, y se compara, hay un claro proceso evolutivo. Se recomienda pasar por ahí seguido, porque llega a actualizar varias veces por semana. En definitiva, esta primer mezcla es un gran esfuerzo, pero todavía no demuestra todo el potencial que hay en el artista.

Al ser un track único, compuesto de varias canciones, acá va la lista y el orden, para los curiosos:
1. Svpreme Fiend – Untitiled II [Unreleased]
2. Svpreme Fiend – Prover [Unreleased]
3. Svpreme Fiend – Untitled III [Unreleased]
4. Svpreme Fiend – Affecter [Unreleased]
5. Svpreme Fiend – Assurer [Unreleased]
6. Svpreme Fiend – Haunter VIP [Unreleased]

Link de descarga: Mediafire
Myspace: Myspace
Rating total: 7.6/10

-Federico Lo Giudice

fang4fj El punk, cuando surge, surge más como una reacción que como una evolución. El punk, más allá de todas las implicancias sociales y eso que cualquier documental cubre mejor que este blog, es un grito primitivo que dice “basta de gilada, la música no tiene que pensarse, la música tiene que ser”. Implica abogar por la composición visceral, espejo absoluto de las emciones, y la honestidad sin que se privilegie el aspecto cerebral de la música. Si al punk le preguntás “¿por qué?”, te va a contestar “Porque me pinta”.

Más allá de la muerte increíblemente rápida del género, y cómo un montón de bandas se colgaron de los cadaveres para salir a robar, cada tanto algún grupo parece entender de qué se trataba todo esto, antes que de andar en botes tocando para asustar a la reina. Uno de estos grupos fueron Fang. Estos pibes entendieron que el punk es simplemente dar rienda suelta a lo más primitivo que el rock puede llegar, pero no por eso volverse un mediocre o privilegiar una imágen pre-fabricada de cosas que “se supone” que deben hacer. Fang son tan honestos como puede llegar a ser una banda de rock.

Landshark / Where the Wild Things Are es una recopilación de los primeros dos albumes de la banda, de 1982 y 1983 respectivamente. Ambos discos cuentan con composiciones tradicionales de rock, con power chords, muchas baterías basadas en el ride, y guitarras plagadas de fuzz y distorsiones. Si bien el disco es simple desde la composición, la banda es inimitable a la hora del delivery. ¿Te acordás todas las cosas buenas que te dijeron sobre los Sex Pistols, su actitud, honestidad, y cómo la mayoría de estas cosas eran mentira? Bueno, con Fang resulta que son ciertas.

La canción más conocida del primer disco, “The Money Will Roll Right In”, le va a sonar mucho a los fans del grunge porque Nirvana y Mudhoney la cubrieron varias veces. No es porque sí, la canción es la definición de sarcasmo, y la banda simplemente suena brutal. “Landshark” es una de las caniones punk mejor escritas de la historia, simplemente impredecible. Y “Law and Order” suena lenta, y arrasadora, una bomba en cámara lenta. La banda deja de tomarse en serio en “Destroy the handicapped”, y usa la canción como una excusa para mostrarse primitiva y brutal. Demoledora.

Aquellos que nieguen la conexión Fang/Grunge, están invitados a escuchar “an invitation”, que comparte un par de acordes (al punto de la incomodidad) con “Aneurysm” de Nirvana. ¿Más ecos de Cobain? El coro de la canción sólo repite “I invite you to my suicide, I want you to be my bride”. El album concluye con “skinheads smoke dope”, cuyo título expresa perfectamente qué se puede esperar de la canción. De ahí en más, siguen 3 b-sides de los cuales “Fun With Acid” es el más destacable. Las risas de fondo en el track, para cagarse de miedo.

El siguiente album, “Where the Wild Things Are” peca de tratar de repetir algunos de los trucos de “Landshark”, pero la efectividad ya no es la misma (¿será porque se escuchan los dos albumes seguidos?). A pesar de eso, las canciones son más cortas, y más urgentes. Pocas llegan a durar dos minutos. Sin embargo, la falta de foco se siente. El disco no está mal pero ni se compara con el brillante Landshark. Sin embargo, no puede concluirse el review sin mencionar “suck and fuck”, “with friends like you” y “Everybody make me barf”. Mucho menos inspirado “I wanna be on TV”, simplon intento de repetetir “The Money Will Roll Right In”.

En definitiva, esta compilación es despareja y los dos albumes contrastan bastante, pero es mucho más práctico que conseguir los dos albumes por separado. Landshark es un album brillante, una de las piezas escenciales del punk, un desgarrador grito en la soledad de un universo plagado de imitadores de manual de cómo se supone que debe ser el punk. ¿Where the wild things are? Bien gracias. Mediocron, mediocron. Con un par de buenos momentos, pero en definitiva, más de lo mismo.

Link de descarga: Mediafire
Rating total Landshark:  9/10
Rating total Where the Wild Things Are: 5.6

-Federico Lo Giudice