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Monthly Archives: agosto 2009

3771865613_60fb90e090 En un año sorprendentemente tranquilo para Boris y Torche, sin lanzar albumes completos ni nada (rarísimo para los standards de las bandas de esta “escena”), aparece este EP de sólo dos temas. Y hay buenas noticias y no tan buenas: las buenas son que son dos de las mejores bandas, más desafiantes y experimentales del género (Boris en particular). Lo malo es que estos tracks en particular no sorprenden la gran cosa.

El Split abre con Torche interpretando “King Beef”, un track de stoner rock, pesado, potente, pero que no aporta demasiadas sorpresas más allá de un clima altamente interesante y un buen uso de dinámicas. La banda suena poderosísima, pero el tema prácticamente parece sacado de un manual. Es destacable el trabajo en la sección media/final del track, especialmente en la batería.

El track de Boris, por otro lado, tiene un ambiente totalmente diferente. Diferente incluso a los propios Boris, lo cuál, por irónico que suene, no sorprende a nadie. La canción, pesadísima tiene dejos y matices bien melódicos (casi pop para los standards de Boris) que dan paso a disonancias sin darle tiempo al oyente de verlas venir. El track es absolutamente impredecible, pero no parece cohesivo, ni ir a ningún lado.  Como si la banda intentara ser rara en vez de ser rara, dando por efecto un track que no está mal, pero no suena del todo honesto en comparación a sus horas más inspiradas.

“Chapter Ahead Being Fake” no es un punto de inflexión en la historia de ninguna de las dos bandas (de hecho, los split EPs, historicamente presentan tracks que son con suerte b-sides, en la mayoría de los casos), pero no deja de ser un poco decepcionante que dos bandas que destacan tanto por su creatividad, espontaneidad y capacidad para sorprender se dediquen a “cumplir horario”.

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Rating Total: 5.8/10

-Federico Lo Giudice

IWThe Dillinger Escape Plan son una banda pionera del mathcore (la versión más pesada y por lo alto del math-rock), con varios albumes renombrados, y uno de los sonidos más particulares y únicos de la década. Tras geniales trabajos entre los que destacan “Irony Is A Dead Scene” con Mike Patton como vocalista, y el brutal “Miss Machine”, la banda entrega su tercer album, este Ire Works.

“Ire Works” es el disco más exitoso de TDEP, y no es así porque sí. La banda suena más despierta, sólida y concentrada que nunca. Muchos de los fanáticos de la primer época acusan a la banda de haber perdido algo de la espontaneidad de “Calculating Infinity”, donde cada segundo podía ser el último del disco, pero algo de esto se encuentra diluído en Ire Works en favor de canciones más redondas, e incluso temas con potencial para radio, sin dejar de lado la abrasividad que los caracteriza.

TDEP no piden permiso antes de hechar abajo la puerta de tu casa con “Fix Your Face”, donde cada momento parece más explosivo que el anterior, y los riffs se vuelven absolutamente impredecibles, y hasta se cruzan un par de breaks jazzeros en medio del caos de las distorsiones. En este mismo espiritu, “Lurch” juega con las dinámicas y las voces en un ejercicio liberador y brutal. Uno de los singles de Ire Works fue “Black Bubblegum”, tercer track del disco. Este tema tiene aura a la Faith No More, y podría haber sido un tema de Angel Dust sin demasiado problema. El tema, efectivamente, es pegadizo a lo Bubblegum, con un coro para el pogo, programaciones que enriquecen el tema, versos que contienen poder y pasajes donde la banda se libera destruyendo todo a su paso. Los delivery del verso “I had gotten frozen by the way that you walked, by the love that you gave, by that look on your face, It’s a coverup, I know everything” son absolutamente brutales, y el momento donde la banda baja los decibeles antes de liberar el coro final no se merecen menos que un aplauso parado.

TDEP dejan salir algo de su lado más experimental en “Sick On Sunday”, donde la voz tiene uno de los deliverys más melódicos del disco. “When Acting As A Particle” y “When Acting As A Wave” son dos instrumentales cortos dedicados más a climatizar que a entregar canciones, y entorpecen poco el flow de canciones ganadoras del disco si bien colabora al ambiente. El album deriva un poco entre canciones estilo “Calculating Infinity”, que parecen más hechas para complacer a los vieos fans que por ser parte integral del disco, hasta que llegan a lo que fue el primer single de Ire Works. “Milk Lizard” es la fusión perfecta del viejo y nuevo TDEP, con dinámicas que hacen a la canción parecer construida sobre explosiones nucleares, y sonidos absolutamente únicos (¡se escuchan vientos redondeando las lineas de cada verso!).  La imágen que genera la banda con el tema es arrasadora y directa, y rara vez se escucha en metal una furia así de honesta. Absolutamente imparable.

“Party Smasher” y “Horse Hunter” (donde participa el vocalista de Mastodon) suenan de nuevo a TDEP clásico, pero esta vez funcionando mucho mejor que en el primer segmento del disco y mezclando con maestría pasajes de tonos jazzeros y dinámicas que le dan a los temas una sensación irresistible de movimiento. Uno de los temas más experimentales del disco es “Dead as History” donde la banda explora que tan pesada puede sonar en tempos más bajos. Se escuchan guitarras acústicas sobre las que luego se superponen eléctricas. Esto es exactamente lo contrario a una “power ballad”, donde la banda no se deja caer en clichés en ningún momento. En similar espiritú, pero funcionando incluso mejor, el track que cierra el album (“Mouth of ghosts”) se construye sobre una base de piano donde la banda lo intenta todo. Es un tema raro para los standards de TDEP, siendo que no se escucha distorsión hasta el último minuto y pico de tema (y el track dura casi 7). La banda trabaja más matices jazzeros hasta explotar en una orgía final de distorsión y, posiblemente, las líneas más gancheras del disco hasta concluir con ESE ultimo grito y esa nota en fade que dejan en claro que se acaba de escuchar algo épico.

Ire Works es un gran disco donde TDEP se vuelven más personales que nunca, y el efecto es un album casi sin puntos flojos, con la banda afiladísima y dando siempre respuestas que convencen. Al escucharlo, la banda puede sonar un poco exagerada (¿de verdad están TAAAN enojados?), pero por otro lado, ese es el appeal que tienen: inmediatos, sin vueltas, y demoledores. Lo único que le juega en contra al disco es que da la sensación de ser una bisagra entre todo lo que hicieron antes, y lo que vayan a hacer después, y da una terrible curiosidad por saber como va a funcionar su próximo trabajo, si van a encontrar el equilibrio justo entre los ganchos más efectivos del planeta, y algunos de los riffs más memorables de la década. Felicitaciones por un trabajo bien hecho, TDEP.

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Rating Total: 9.3/10

-Federico Lo Giudice

434711169cfbc9434c3277e22ed040f412ec94b Una de las primeras sorpresas del nuevo milenio fue el rápido ascenso del indie y de gente que sin contrato, o de discográficas menores, se las ingeniaba para hacer muchisimo ruido. Algunos de los grandes albumes de los últimos años ni siquiera cuentan con singles altamente reconocidos, sin embargo, es notable el fanatismo que despiertan estos grupos en la red. Grandes ejemplos de esto, y como internet ha hecho gigantes a gente que por ahí no hubieran tenido la chance sin este impulso son The Flaming Lips, …And You Will Know Us By The Trail Of Dead, y quien hoy nos ocupa, los queridos Modest Mouse.

Tras un genial “Moon And Antartica”, un par de albumes, y un simple con alta rotación (“Float On”), Modest Mouse vuelven a la carga con este EP de 8 temas, “No One’s First And You’re Next”. Y la principal diferencia es que gracias a los años que pasaron, ahora este tipo de temas tiene chances de aparecer en peliculas, de ser un hit en la radio, o de llenarse de oro. Siguen siendo chicos indie sensibles que cantan rock sobre guitarras, eso no cambió, pero este nuevo set de temas se lo siente bastante más acelerado y menos ambiental que sus anteriores producciones.

El Modest Mouse de siempre sigue ahí, y se nota en tracks como “Satellite Skin” o “Autumn Beds”, que recuerdan mucho a la sección media de “Moon and Antartica”, por ser más melódicas y con un aire pop bastante tradicional. Si se busca el Modest Mouse clásico, ahí está. También hay momentos más psicodelicos, que son de lo mejor del EP, queda clarísimo en “The Wale Song”, y su caótica guitarra, o “King Rat” con la inspirada sección de vientos y su estilo big band. Las guitarras más fuertes se escuchan en “I’ve got it all (most)” y, especialmente, en “Guilty Cocker Spaniels”, que demuestra que siguen siendo parte del sonido indie moderno que ayudaron a construir.

“No One’s First And You’re Next” es un trabajo decente, que demuestra que la banda cumple en lo que hace, pero se complica quitarse la idea de que necesitan una urgente renovación, ya que a pesar de un par de tracks diferentes, se trata de un EP seguro, sin nada de riesgo que da a los fans exactamente lo que esperan. Si alguien está decepcionado o no con este disco, dependerá de cada uno. El disco cumple, pero a veces eso no es suficiente.

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Rating Total: 7.2/10

-Federico Lo Giudice

deerhoof_friend Deerhoof es un trío de indie, y ahí se acaban las convencionalidades. El trío no respeta nada a la hora de hacer música haciendo de lo impredecible su leiv motiv, y saltando de lineas gancheras pop sobre bases de batería a momentos de punk rock a teclados en cuestión de dos compases de un modo único, inimitable, y sobre todo, fresco. Y este disco en particular, manteniendo mucha de la experimentación de sus anteriores trabajos, se las ingenia para ser el más ganchero de toda la carrera de la banda.

Cuando el disco abre con “The Perfect Me”, es complicado no preguntarse qué es lo que tiene de especial el rock de The White Stripes. Deerhoof simplemente arrasa en un track demolador donde la poco convencional voz de Satomi Matsuzaki entrega lineas gancheras sobre poderosísimas guitarras. “+81” es lejos el mejor track del disco, y una muestra de qué se trata Deerhoof, indie rock no tradicional absolutamente inimitable y creativo, donde el modo en que se entregan las líneas lo es todo. Las transiciones son una genialidad absoluta dandole a la canción un flow perfecto donde las palabras hacen magia rítmica sin siquiera parecerse a un rap.

“Believe ESP” hubiera sido un single gigante de haber contado con un video y rotación, gracias a su percusión poco convencional y ganchos irresistibles. El momento que Matsuzaki entrega su “paranoia boogie oogie, come to ooze” es una de las genialidades melódicas de la década, mientras que el trabajo de Dietrich y Saunier (Guitarra y batería) en el break es exquisito. Desafortunadamente, tras este track, el album pierde un poco de potencia, cuando la banda entra en canciones menos explosivas. Siguen siendo grandes tracks, pero ya no parece una situación de “todo o nada” como los primeros tracks. El coro de “Choco Fight”, sin embargo, es algo mágico.

Tras unos tracks donde la banda deriva entre lineas gancheras y momentos no tan especiales, la inspiración vuelve para “Kidz Are So Small”, mucho más en el espiritu de los primeros tracks. El juego de melodías es realmente ingenioso, y las líneas, adorables. Es uno de los tracks más poderosos del disco, y ni siquiera se escucha una guitarra. Inspiradísimo. “Matchbook Seeks Maniac” es otro gran track, al estilo de “Choco Fight”, donde las transiciones y delivery de las líneas hacen una magia muy especial, grabandose a primer escucha. La línea “He was funny and fine sweet sweet good boy, said he liked me like power” simplemente vale el tema. En oposición a los primeros 9 tracks, de cerca de 2-3 minutos de duración cada uno, “Look Away” es una experimentación de 11 minutos donde Deerhoof le da a los que extrañan sus primeros trabajos exactamente lo que quieren oir, en un track que no desentonaría de ningún modo en “Milkman”.

Friend Opportunity es un disco diferente para Deerhoof, con un acercamiento al pop y al rock que lo hace muy especial, a la vez que se trata del disco más accesible de la banda. El principio/final y medio del album desentonan un poco, pero hacen a una escucha variada, y rica en matices que garantiza que, aunque sea, uno de los dos costados (o los dos) tienen que gustar. Deerhoof se pregunta, si les gustan las guitarras poderosas, o sensibilidad pop, ¿por qué no todo a la vez?

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Rating Total: 8.9/10

-Federico Lo Giudice

333 A la hora de hablar de música electrónica, por lo general, la prensa rockera se siente fuera de elemento y que necesita poder justificar por qué se están cubriendo esos artistas, en vez de alguien que mueva las manos sobre una tablita de madera con finos hilos de metal. Intentando hacer esta justiciación es que aparece el término “IDM” (“Intelligent Dance Music”), que separa la electrónica bolichera de artistas cuya busqueda no está pensada sólo en función de satisfacer un pequeño ghetto de ravers. Más allá de lo pretencioso que resulta el término (“Música inteligente” versus “música tonta”, tema que quizás da más para una editorial que para una introducción), esta referencia viene a que uno de los nombres que salta al hablar de “IDM” es el de Falty DL.

Falty DL es un productor de garage/dubstep que sorprendentemente no es inglés, sino de New York. La música de este muchacho, rica en sintetizadores que cruzan melodías, hi-hats en rimos no convencionales y un extraño aire a Nintendo evolucionado traza paisajes oníricos, usa muy pocos samples vocales.  Lo sorprendente es que el álbum sigue sonando bastante accesible, y los tracks son facilmente diferenciables, contando con varios matices y melodías altamente memorables.

En oposición a los trabajos de artistas como Burial o Four Tet, Falty no va por un sonido orgánico, sino todo lo contrario. El fuerte de Falty son las melodías, bien artificales y futuristas, y los beats están mucho más trabajados sobre los hats (típico de UK garage) que en los golpes más graves. El disco de flow parejo brilla en algunos tracks como “Human Meadow” (que abre el album), “To New York” o “Truth”. En otros tracks se nota un poco la poca ausencia de bajo y el foco en las frecuencias mediosas (“Winter Sole”), y sería interesante, por ejemplo, escuchar a Falty remixado por Zomby.

Love Is A Liability es una muestra de que el Dubstep no tiene por qué ser un género exclusivo del UK, se trata de un trabajo inspirado, ambiental, y onírico con mucho foco en la melodía. Y por supuesto, no molesta ni un poco que haya tracks como “Dionysos”, sin un momento de debilidad, y portador del que posiblemente hubiera sido el beat del año de no ser por Burial/Four Tet y su genial “Wolf Cub”.

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Rating Total: 7.6/10

-Federico Lo Giudice

CTOST Yasunori Mitsuda es un compositor japonés, asociado más que nada a la compañia SquareSoft (actualmente Square Enix) por sus soundtracks para videogames. Su trabajo, de innegable calidad lo ha puesto como uno de los nombres más importantes de la industria junto a bestias como Akira Yamaoka (Silent Hill) o Nobuo Uematsu (Final Fantasy) a la hora de pensar en aquellos artistas más reconocidos, por presentar trabajos consistentemente buenos y con momentos verdaderamente épicos.

En esta ocasión, presentamos el soundtrack original de Chrono Trigger, uno de los games que siempre aparece en la lista de mejores games de la historia por su intricada historia y genial mecánica, y a la vez, el mejor trabajo de Mitsuda junto a su secuela, Chrono Cross. El trabajo presenta una variedad única a la hora de acercarse a un soundtrack, usando las capacidades de 16 bits a la máxima potencia, y dandole un tono que poco y nada tiene que envidiarle a cualquier soundtrack de película, evitando el clásico sonido 8-bits al cuál la generación previa de consolas había acostumbrado a los oyentes.

Parte de la variedad del soundtrack se debe a la historia del game, los personajes viajan por distintos tiempos cumpliendo diferentes objetivos en cada uno, dandole a Mitsuda la posibilidad de arreglar sus composiciones para encajar mejor con diferentes ambientes. Y por supuesto, tampoco molesta para nada la mano del veterano Nobuo Uematsu en algunos de los tracks,  ni la de Noriko Matsueda, quien se encargó de “Boss Battle 1”.

La música del soundtrack es standard, cumple con sus objetivos siempre aportando armonías, pero los momentos realmente brillantes se dan en los puntos clave de la historia. Por ejemplo, las presentaciones de los personajes son absolutamente geniales y hacen justicia a la personalidad de cada uno. Mientras que “Frog’s Theme” es una epopeya medieval épica, “Ayla’s Theme” es una muestra de la brutalidad y agilidad de Ayla. Un golpe directo de poder. A la vez, “A far off promise” es una gran muestra de la tristeza que encierra el personaje de Marle, mientras que “Robo’s theme” demuestra la gentileza de Robo. Del mismo modo, las peleas especiales contra bosses claves (Azala, Magus, Lavos, etcétera.) cuentan con una música muchísimo más dramática que hace gran justicia a lo épico del momento.

Brillantes son los momentos donde Mitsuda deja a Uematsu hacer su magia, particularmente especial el caso de “Tyran’s Castle” donde se cruzan una de las mejores lineas de bajo que Uematsu haya compuesto con un genial teclado. Otros geniales temas que el compositor de casi todos los temas de Final Fantasy aportó son “Sealed Door”, con su atmósfera de incertidumbre, la Boss theme común, la cuasi techno “Bike Chase” , o “Creeping to the sewers”.

Si bien, el flow del soundtrack puede sonar derivativo, hay que tener en cuenta que está pensado para encajar con el game, lo cuál logra a la perfección, entregando uno de los trabajos más sólidos que se hayan escuchado en la industria. Ayuda muchisimo que algunos de los temas que más se escuchan en el game (Las battle o boss themes) sean gancheras y enérgicas, y que no se sobre-use el elemento dramático. Este soundtrack es casi perfecto y ayuda a poner la cereza en el postre de un game prácticamente sin fallas, haciendo un gran trabajo para pintar los paisajes de las diferentes épocas en las que se juega o las personalidades de los protagonistas. A continuación, los 3 discos que componen el OST en dos zips, cortesía de MediaFire.

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Rating Total: 9/10

-Federico Lo Giudice

SF-EA Svpreme Fiend ya lo conocemos en el blog desde su mezcla anterior, por su estilo minimalista y ambiental que más que deber a la pista de baile debe al shoegaze, superponiendo capas de sonidos sobre las que los beats son latidos de corazones oprimidos.

El críptico productor de Dubstep vuelve ahora a la carga con su primer EP, a demostrar que joyas como “Assurer” no fueron cuestión de suerte ni una coincidencia, mostrando un trabajo mucho más sólido y maduro que su mix anterior, donde los tracks parecían sólo tirados en la mezcla en oposición al flujo que se siente en este excisions.

Con el primer tema, “Savior”, Svpreme Fiend entrega una joya que no desentonaría en un soundtrack de RPG de SquareSoft. Estan muy bien trabajadas las sub-kicks que cuando desaparecen para dar paso a “Angels”, es estremecedor. “Angels”, por otro lado, tiene potencial para ser el mejor tema de este EP, con el beat de flow más natural que haya en todo el disco, y una línea melódica que juega en todo el espectro, moviendose de punta a punta. Lo más interesante es que comparado al ambiente del resto del disco, este track es casi eufórico.

“Weeper” tiene un genial uso de samples vocales, donde los humanos se convierten en ballenas, e incluso se intuye melodía desde el beat. Remarcable también el uso de los hats. El track que sigue es “Haunter VIP” (los VIP significan “remixes”),  que pone un ambiente tétrico sobre un beat bastante más pesado que el tono del resto del EP. Para concluir este “Excisions”, Svpreme Fiend eligió a “Strayer”, el track de beat más estilo Burial (su más clara influencia). El grado de detalles y variaciones hace al track atrapante desde el beat haciendo que incluso se olvide la línea melódica, la cuál por cierto es inspiradisima.

“Excisions” es un gran EP debut que muestra más de la promesa que había en el primer mix, con beats más complejos y variados, a la vez de líneas melódicas más inspiradas y mejor capacidad para la generación de ambientes. El progreso de Svpreme Fiend es claro, logrando traducir más emociones en música en vez de sólo sentimientos negativos. Desde MPE se aplaude la búsqueda y se invita a ir por más.

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Rating total: 8.2

-Federico Lo Giudice

60694932362…And You Will Know Us By The Trail Of Dead (ToD de acá en más) es una banda que impacta de entrada. Ya sea por su extraño nombre, su formación donde baterista y guitarrista intercambian posiciones, o por sus shows en vivo, la banda ya tenía una semi-reputación antes de emprender la grabación de lo que a posterior sería su album más conocido, este Source Tags & Codes.

La banda, creadora de paisajes desolados sobre paredes de guitarra que deben tanto al shoegaze como al stoner rock, entrega con ST&C un disco acerca del desamor, ira, confusión y todo lo que alguien quisiera gritarle al mundo en la cara, con una urgencia y capacidad en la entrega como nunca se ha oido, lo que resulta combinado a la brillante escritura del álbum en uno de los verdaderos clásicos de la época, uno de los discos definitorios del indie 2000, y una de las mejores placas de los últimos 15 años.

El disco abre con “Invocation” (sólo en versiones internacionales), donde suena un lead en teclado que hace de introducción a “It Was There That I saw You”. Cuando esta arranca, tras una breve intro, las guitarras explotan en un riff agresivo sobre el que los fills de batería arrasan. Se trata de una pista que simplemente barre todo el espectro sonoro. La sección del medio repite la melodía de “invocation” esta vez en guitarra, haciendo un crescendo brutal hasta que regresa el riff principal para volver a llevarse el mundo por delante. Sigue “Another Morning Stoner” donde brillan los climas, y el flow de las guitarras, sobre una genial base de batería y bajo. Sorprende la entrega de Kelly, principal vocalista de la banda, no tradicional para nada pero de pasión innegable, que emociona hasta las lágrimas al disparar lineas como “I fear that you will never be every song in the world for me”.

“Baudelaire”, cuarto track del álbum y posiblemente el mejor del disco es un resumen de por qué el rock y las guitarras son una buena idea. El riff comprime y descomprime la canción hasta que estalla en intervalos donde el track fluye como una mezcla entre punk y math rock. “Homage” es el track donde la banda muestra menos compasión en todo el disco: la banda entra en un juego de dinámicas arrasador alternando calma y caos como sólo ellos saben, y a pesar de la intensidad, se las arreglan para detenerse y manejar un último crescendo donde Kelly sólo repite “Do you believe in what I’ve seen, what I’ve seen?” estremeciendo a quien escuche. El siguiente track, “How Near How Far” podría ser el himno alternativo del 2000, pasional, directo, sensible, imposible no amarlo a primer escucha. Especial atención a la batería durante los versos, y al “finisher” de cada verso, “I swear I don’t know why those eyes have always left me dry”. ¿La sección media? Digna de música clásica. Imparable.

El track más oscuro y melancólico del disco es “Heart in the Hand of the Matter” donde el desamor encuentra a la ira en un track que no desentonaría en Spiderland de Slint. Cuando ToD rompen en los coros con la inspirada línea de piano que emula al Math Rock, estremecen. La línea “I’m so damned, I can’t win, with my heart in my hands again” quedará para la historia por la pasión con la que es entregada. Detalle anecdótico: el puente sería luego emulado por la banda de Nick Oliveri en “All the way down” de “SonicSlowMotionTrails”. El siguiente track es “Monsoon”, construido sobre una línea de guitarra sobre la que los demás instrumentos entran y salen, poniendo imágenes de lluvias de sangre que tiñen el paisaje de rojo. El puente final es absolutamente demoledor, dejando una extraña calma que rompe en “Days Of Being Wild” (titulado así por la película de Hong Kong). Este track suena a una versión en contratiempo de “Homage” hasta desembocar en la coda final, donde la banda relaja para tensionar nuevamente hasta detonar en una orgía de caos definitiva.

Algo que sorprende de la primer mitad de ST&C es la oscuridad de los temas, contrapuesta a la luz que irradia este último segmento del disco. “Relative Ways” es un track que genera paisajes con su riff principal y rompe constantemente en un riff distorsionado entre cada verso. Kelly repite “It’s ok, I’m a saint, I forgave your mistakes” de un modo que pareciera que más que decirselo a alguien, intenta convencerse a sí mismo, especialmente al final donde entrega la línea a los gritos. Sobre la melodía de los breaks se construye el track siguiente, “After the laughter” que es la transición perfecta hacia el track final, repitiendo la melodía en teclado y violines hasta desembocar en “Source Tags & Codes”, track que da título al disco. En este track ToD retoman los paisajes sonoros cortandolos con inspiradísimas melodías de guitarras, melódicas, que se cruzan de modo magistral con los pocos arreglos de teclado. La última coda con la que cierra el disco emociona hasta las lágrimas cuando Kelly canta “From lives I’ve tried to lead to the one that I received, Each painted sign along the road will melt away in source tags & in code” causando una avalancha de pasión sobre la cual el último riff suena pesado como nunca. Y por si quedaran dudas de que lo que el oyente acaba de oir es épico, el disco cierra con una interpretación en violines y cellos del break de la sección media de “How Near How Far”, habiendole cambiado la vida al que escuche para siempre.

Tras esto, en algunas ediciones suena “Blood Rites”, un bonus track incluído en la versión que acá ofrecemos. Ni bueno ni malo, un tema más pero que no forma parte del disco, realmente. Source Tags & Codes suena como si cada uno de los integrantes de la banda tuviera una bomba atómica atada en cada pie, obligandolos a hacer la entrega más pasional y urgente posible antes de que todo se acabe en una gran orgía de destrucción. El disco básicamente enseña cómo se hace rock: con creatividad, pasión, convencimiento, y honestidad. Sin vueltear en absoluto con relleno, haciendo que cada segundo sea vital y trascendente, es el gran disco de la década, la placa a superar para todos los que decidan apostar al rock en este nuevo milenio. Buena suerte, no será una tarea sencilla.

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Pass: musicaparaepigrafes
Rating Total: 10/10

-Federico Lo Giudice