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Tag Archives: rock alternativo

Mogwai son unos bichos raros. No son la banda preferida de nadie, ¿o sí? Pero todos los conocen, ¿o no? ¿Tienen discos excelentes? Sí. ¿Y discos aburridos, que no van a ningún lado? También. Constantemente entre el límite, jugando entre si son leyendas o no, la banda que ya tiene 6 discos en su haber, entregó este febrero del 2011 su séptimo trabajo. Y siendo que el consenso marca que prácticamente lanzan un buen disco/un disco mediocre/repeat ad infinitum, este tendría que ser “uno bueno”. Ok, la buena noticias es que el patrón se mantiene.

Mogwai está cada vez más popero desde Mr. Beast, más texturado, y confiando menos en el simple uso de la dinámica y variación de climas para que el disco se mueva. Funcionó bien en Mr. Beast, no tanto en The Hawk is Howling. Hardcore Will Never Die But You Will sigue un poco esa dirección, con el bajo llevando las melodías, y algo de espacio para teclados, y muchos climas.

Las guitarras en general están más bien ausentes, y no se los escucha estallar en canciones tipo “Like Herod” o “My Father My King”, pero, honestamente, ¿a quién le importa? Eso ya lo hicieron, Mogwai están en otra. Esta vez, con distorsiones suaves, aportan texturas y climas sobre los que los sintetizadores pasan al frente llevando melodías. Lo genial es que los muchachos puedan hacer canciones igual de intensas que siempre, y cuando se los escucha más guitarreros como en el single “Rano Pano”, no desentona con el resto del disco.

Hablando de Rano Pano, honestamente, es uno de los mejores temas que Mogwai haya hecho hasta ahora. No porque sí lo eligieron como un single de distribución gratuita para que la gente escuche cuál es la onda del disco. Funciona bárbaro: parece un tema de The Cure, pero como es instrumental, nadie tiene que pelearse para ver si Robert Smith es un genio y el mejor poeta de la historia, o un emo idiota. Dicho de otro modo, si oís este disco, simplemente te vas a sentir bien.

El disco, homogéneo y parejo, se encuentra muy por encima de Hawk Is Howling que sonaba por momentos a b-sides e intento de repetir los logros de Mr. Beast. Estas canciones duran en general 5 minutos, y no te tienen con vueltas: son super accesibles y vas a mover los pies desde el primer tema hasta el último, porque Mogwai se encontraron con una serie de melodías que todas tienen onda. Se le puede criticar al disco que le hacen falta más temas realmente memorables, y que “homogéneo” o “suficiente” no basta, pero te va a costar encontrarle algo mal al disco. Mogwai simplemente vinieron a tu casa, tocaron 10 canciones, y todo estuvo bien con el universo.

Link de descarga: Freakshare

Rating: 7.6/10

-Federico Lo Giudice

Logo wait sabato Wait Sabbato es una banda de Buenos Aires, de reciente formación, pero a no subestimar. La banda tiene solo 2 años desde su formación, pero destila una calidad y musicalidad envidiable en sus composiciones, que debe por partes iguales a grupos como Stone Temple Pilots y Heroes del Silencio a bestias del jazz rock como Invisible. La banda, musical y todo, no radica lo más interesante de su propuesta en los riffs, típico del hard-rock, sino en la creación de ambientes, donde cada instrumento aparece sobre el otro en capas. Incluso se dan el lujo de tener temas instrumentales, que son de lo más entretenidos.

El demo abre con “Ninja Ebrio”, que deja salir el costado más jazzero de la banda, con una batería que es de lo más clásico y con buen gusto que se pueda escuchar. Las guitarras intercambian solos y armonías paisajisticas en todo el track de modo efectivo. “Desertificar”, el track siguiente muestra su costado más alternativo, y no desentonaría como un track de “Avalancha”, clásico de Heroes del Silencio. La voz del cantante, un poco impersonal, en ningún momento deja de ser agradable, y no molesta para nada la poética y el delivery que hace, especialmente cuando armoniza en coros.

“Criadero” es el track con más potencial para ser un simple, con un riff principal que es ideal para Guitar Hero, y la línea más ganchera de la banda (“Somos asesinos de tu soledad”), entregada con el carisma por las nubes. Imposible hablar de este track sin mencionar el exquisito trabajo del bajo casi llegando al final, antes de que desencadene el último solo. “Cuatro Ruedas” tiene un aire a 1970 que confunde un poco con el resto del tono del disco, por lo “hard-rockera” que resulta, más cerca tal vez de Deep Purple, especialmente por el lead de guitarra, y el acompañamiento de teclado, que de las otras influencias que se hayan mencionado. El tema funciona, pero es complicado sacarse la sensación de que desentona un poco con el resto del esfuerzo del resto del demo que no cae en clichés.

El disco cierra con “Pulpo”, el track más original que hayan hecho, donde vuelve el costado jazzero de la banda sobre un exquisito trabajo del bajo sobre el que se atraviesa una línea de guitarra harto ganchera. En el tema, la banda demuestra un soberbio uso de dinámicas, mostrando lo bien que se entienden estos músicos, y lo bien que trabajan a la hora de generar climas. El tema, lleno de matices nunca explota en orgías de caos, pero simplemente no lo necesita, logrando hacer un track sobrio que cuando frena de repente deja al oyente con la sensación de que acaba de escuchar algo que tiene más que potencial, y hay un esfuerzo honesto para cumplir.

El demo de Wait Sabbato es un esfuerzo noble, sobrio, y de buen gusto, ideal para los que quieran escuchar guitarras distorsionadas pero no al punto de caer en rock mediocre noventoso. El costado jazzero duro es de lo más copado que la banda puede ofrecer, no tanto así cuando caen en la tentación de dejar fluir el rock. Si bien no es que lo hagan mal (nada más lejos), sabemos que pueden hacerlo mejor. Atención a estos chicos.

Link de descarga: Mediafire
Myspace: Myspace
Rating Total: 7,9/10

-Federico Lo Giudice

dinosaur-jr-farm-album-artUna de las tantas bandas que estaba frenada, y gracias a la era de la internet recuperó impulso al punto de decidir reformarse es la clásica alt-rocker Dinosaur Jr. Los fans de la banda no podían dejar de sentir que se la había tratado de modo injusto por el poco reconocimiento a nivel ventas y creativo, ya que junto con Sonic Youth y The Pixies, quizás forman la santa trinidad de las influencias para las bandas que después terminarían encasilladas como “grunge”.

Tras casi 10 años de silencio, la banda había regresado en el 2007 con su decente “Beyond”, y ahora intenta repetir la jugada con su más reciente “Farm”. En un extraño caso de retro-alimentación, Farm suena moderno y actual como una banda de formación reciente, y entrega ese rock de los  ’80- ’90 actualizado para Ipods. Hay guitarras arpegiando, solos, y una extraña calma y optimismo que recorre al album por cada acorde. El disco no presenta novedades, pero es efectivo y exactamente lo que alguien quiere escuchar a la hora de pensar en Dinosaur Jr.

Las canciones más interesantes son donde la banda destila más energía y guitarras, como en el opener “pieces” (con la voz semi-distorsionada), “Friends” o “I want you to know”, dignas de un debút por lo frescas que suenan. A la banda se la escucha cómoda y los ganchos parecen llegar de modo natural, con seguridad en la entrega. Los solos, lejos de ser estereotipos hard-rockeros se cruzan naturalmente como parte fundamental de la canción. También son buenísimos los juegos de armonías vocales como los de “Your weather” o “Imagination Blind” que aportan momentos ideales para cantar.

Cuando la banda cae en la tentación de las baladitas, por suerte no son melosas al estilo power-ballad sino honestas entregas que no tienen demasiado que ver con los clichés. Gran ejemplos de esto son “Said the People” o “Plans”, con una calma que no tiene nada que ver con el romance y el azucar, sino tracks que siguen siendo rock noventoso, pero, de nuevo, sorprende lo fresca que suena la banda cuando se la compara con otros “regresos”. Dinosaur Jr. entiende sus fortalezas y son buenos tomando decisiones efectivas.

El album muchas veces peca de tener ese ambiente a “reunión de amigos”, por lo que la innovación no está realmente a la orden del día. Es un disco bastante seguro, pero recubierto de la personalidad de Dinosaur Jr. por todos lados. Si uno no es fan del trabajo viejo de Dinosaur Jr., dificilmente vaya a sorprenderse con este nuevo trabajo, pero para aquellos que disfrutaron desde siempre con la banda, este album provee justo eso que buscan. Para bien o para mal, Dinosaur Jr. están de vuelta haciendo lo que ellos saben.

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Mediafire, parte 1
Mediafire, parte 2
Pass: musicaparaepigrafes
Rating Total: 7,6/10

-Federico Lo Giudice

nvo-orden-web-wt-724009La expresión más común cuando alguien escucha a Los Natas es “no parecen de acá”. Lo cuál prácticamente pega en el palo. Se pueden forzar un par de comparaciones con Pescado Rabioso, Pappo’s Blues, o alguna otra banda setentosa, pero la verdad es que Natas pega mucho mejor cuando se los menciona como uno de los nombres más importantes dentro de la escena del Stoner Rock, junto a bandas como Fu Manchu o Kyuss.

El stoner rock está caracterizado por su sonido oscuro, opresivo, complejo, casi paisajístico, con tintes de post-rock, y a término medio entre rock alternativo y metal setentoso a lo Black Sabbath. Y en este disco, los Natas va todavía un paso más allá, incorporando muchísimas más voces que ántes, y despachandose lo que capáz sea su trabajo más consistente, y a la vez accesible de su carrera. Sigue habiendo zapadas y climas, pero todo cortado con melodías que incluso pueden cantarse, y no sólo intuir. Ni por asomo pasan por pop, o rock cabeza como La Renga, pero definitivamente es muchísimo más sencillo de escuchar que “Ciudad de Brahman”, por ejemplo.

El disco abre con “Las campanadas” y concluye casi una hora después con “Dos horses”. La introducción es brillante, con la banda entrando en modo ataque casi de inmediato, con un riff excelente, y sorprendente claridad en la voz. El bajo suena infernal, como siempre, de lo mejor de la banda. La canción que da título al disco, “el nuevo orden…” es una de las más flojas del disco, bastante monotona, pero con un par de momentos memorables, especialmente cuando suena el ride en la batería. Esa misma pesadez es mucho más interesante en “hombre de metal”, uno de los tracks más remarcables del disco, elaborado, accesible, e inspirado.

Experimentando un poco con el sonido, Los Natas nos regalan la mejor canción del album: “el pastizal”. De 6 minutos y algo de duración, cuenta con una excelentísima introducción en guitarras acústicas que genera tensión hasta que se desvanecen y la banda entra casi conteniendose para no estallar. Los tensionados versos se suceden hasta el momento que la banda libera toda la tensión acumulada en uno de sus riffs más gloriosos, hasta con una melodía para cantar sobre el final. Siguiendo con este espíritu, también es interesante “David & Goliat”, el track siguiente que reparte matices, y una de las mejores líneas de bajo del disco.

Sabiendo que el bajo y su sonido es una de las mejores cosas que tiene la banda, en la canción “10.000” se hace un excelente uso del recurso, con excelentes secuencias en intervalos, muy pesado y melódico. Ésta da cierre al album, mas no conclusión . Es tras esta canción que la banda intenta calmar los ánimos con la acústica “dos horses”, que nada puede hacer para igualar la grandeza del tema pasado, pero es un cierre mucho más lógico.

Accesible para ser un disco de Natas, de todas formas, no significa “accesible” en el sentido tradicional, y este disco no es para todo el mundo. En la frecuencia anímica incorrecta, el trabajo puede sonar a una sucesión de ambientes bastante repetitiva (aunque es en esta creación de paisajes donde la banda se muestra más inspirada), pero fuera de esto, se trata de un disco básicamente sin puntos flojos. Aunque la portada… ¿en serio, Natas? ¿De verdad? ¿Un triangulo sobre un fondo negro? ¿Conocen una banda que se llama “Pink Floyd”? ¿No les sonaba un poquiiiiito conocido cuando lo planeaban?

Link de descarga:
Sale en dos partes, por ser en 320 kbps
Parte 1, Mediafire
Parte 2, Mediafire
Rating total: 7.7/10

-Federico Lo Giudice

Dos años después del lanzamiento de su debut “Pablo Honey”, un disco de rock bastante genérico y derivado de Nirvana, con la que Radiohead llegaría al mainstream con el famoso single Creep, llegó “The Bends”, el disco mas accesible de la banda, con el que con cada cancion superan ampliamente su previo esfuerzo. Este álbum definiría la dirección que tomo la banda, y se lo puede ver como un preludio a “OK Computer”, con el que perfeccionarían su sonido dos años después.

A excepción de High & Dry, que en el fondo es un tema cursi popero, y Sulk, un filler que lamentablemente no deja nada, siendo el tema que precede a Street Spirit (Fade Out), con el que cierran el álbum de una manera majestuosa, todos los temas son para escuchar de principio a fin. Planet Telex es el primero en la lista, y empieza con una progresión brillante de acordes, con guitarras procesadas y remolinantes, que nos recuerdan a My Bloody Valentine, y a la intro de Paperhouse de Can, banda que el mismo Thom Yorke cita como influencia. Después de tan efectivo opener, le sigue el tema que le da titulo al álbum, que arranca con guitarras muy potentes, y luego la voz toma un rol más prominente. No es de lo mejor que tienen para ofrecernos, pero no deja de ser una buena canción.

Fake Plastic Trees es una balada del tipo de High & Dry, pero logra un mood y un ambiente excepcional, hasta llegar al clímax, tan eufórico como depresivo, y esta yuxtaposición tan bien lograda es de los puntos mas característicos de Radiohead. Líricamente, Fake Plastic Trees es de lo mejor que se va a encontrar en el LP, mientras que Just es de lo mejor musicalmente, con guitarras altamente explosivas y uno de los mejores solos de rock de los 90’s, es excelente por donde se la vea – hasta en su video musical. Estos son los dos temas que más destacan del disco.

My Iron Lung hace referencia a la frustración de la banda con el tema Creep, que contribuyo a catalogar a la banda más de una vez como un “One Hit Wonder”. No es tan texturada, como por ejemplo, (Nice Dream), o Bullet Proof, que hacen de calma entre temas pesados, pero encaja perfectamente con el flow del álbum, además de estar justo después de un tema tan orientado a las guitarras como lo es Just. Street Spirit, una canción sobre la vida, el amor y la muerte, con un riff altamente reconocible, completa el álbum y es un final perfecto.

Si le tuvieran que prestar un disco de Radiohead a un amigo que nunca los escucho, la elección mas segura definitivamente seria “The Bends”.

Rating total: 9.2/10
Link de descarga: Mediafire

-Mauro Otonelli

qotsa-rated-rQueens of the Stone Age se formó en 1997, y fue desde entonces la banda donde Josh Homme podía juntarse con músicos que a él le gustaban (que variaban disco a disco) para darle vida a sus temas. Queens of the Stone Age nunca fue una banda, más bien un proyecto solista con nombre de banda para conservar cierto romanticismo a la hora de tocar en vivo.

Sin embargo, la banda tuvo a sus seguidores bastante confundidos durante los primeros años en los que la sociedad Homme-Oliveri estaba más afilada, y QOTSA no funcionaba sólo como motor del ego de Homme. Esto era resultado de que varias de las canciones figuraban co-escritas por el bajista de la banda, y que en los cd’s hayan aparecido gente como Rob Halford, Dave Grohl (quien grabó todo el album Songs for the Deaf), o Mark Lanegan (vocalista regular en varios tracks) aportando el talento, energía e inspiración que se extraña tanto en los más recientes albumes. El punto más alto de esta era dorada de los Queens es el brillante album del 2000, rated R.

Rated R, de sólo 11 canciones, es un album con un flow afilado, inteligente, intenso y brutal. El disco posee una variedad tal en sus composiciones que sorprende cada vez que se lo escucha. Ayuda a esto que Homme y su ego no canten todas las canciones (la proporción de temas cantados por él es de aproximadamente 2:1, mientras que Lanegan y Oliveri se reparten los demás temas, y hasta hay un instrumental, el olvidable “lightning song”).  El primer track, “feel good hit of the summer” incluye además a Rob Halford en coros (“co, co, co, cocaaaaaaine!”), y chorrea energía e ironía con cada nota. La melódica “lost art of keeping a secret” ayuda a establecer la tradición de segundos tracks brillantes que al día de hoy acompaña a QOTSA. Un principio excelente para un albúm que es nitroglicerina musical.

La banda, en este disco, se permite jugar mucho más con los escenarios de sonido en vez de simular ser nenes malos, para traer experimentación en “I think I lost my headache” (las trompetas, geniales) y “better living through chemistry”, con su coro inspirado por Bjork. A la vez, en las bajadas de decibeles para numeros menos pesados,  el album no pierde intensidad, y “autopilot” (cantada magistralmente por Nick Oliveri) e “In the Fade” (donde Lanegan demuestra por qué es uno de los mejores cantantes vivos del planeta) son temas que cualquier banda mataría por incluir en su repertorio.

Sin embargo, cuando la banda mejor suena es cuando da rienda suelta a la vitalidad invencible que poseían, esa cualidad de explotar, arrasar y destruir con sólo notas. Esto queda demostrado brutalmente bien en “Quick and to the Pointless” (con coros de chicas, y un elefante, en serio), “Tension Head”, y, nuevamenete “I think I lost my headache”, temas en los cuales se convierten en un tsunami. El conjunto demuestra una pasión explosiva, pertinente al punk, que no por ello cae en simplista, y demuestra por qué QOTSA era la mejor banda en vivo de principios de década. En contraposición, los muchachos bajan un poco el nivel en “leg of lamb” y “monsters in the parasol”, que si bien no son malos tracks (especialmente “monsters”), la banda deja claro que puede hacerlo muchísimo mejor que eso.

Rated R fue una gran forma de darle la bienvenida al nuevo milenio, con sangre “nueva” (ya todos los integrantes venían de bandas mínimamente conocidas, en realidad), talento, pasión y energía. Incluso en el momento de lanzar un sucesor, “Songs for the Deaf”, QOTSA pudo hacer gala de la mejor formación de rock alternativo de todos los tiempos (sumando a Grohl en batería y Van Leeuwen en segunda guitarra). Estos primeros discos son testimonio de lo variada y precisa que puede ser una banda de rock, inteligente y apasionada a la vez. Es una lástima que tras estos discos, Homme haya decidido producir albumes mediocres, genericos y derivativos para sentirse en control. Por suerte, lo grabado, grabado está, y eso no se los puede quitar nadie.

Link de descarga: Mediafire
Rating total: 9.4/10

-Federico Lo Giudice

nirvana_in_utero_album_cover

Nirvana, la banda escencial del rock alternativo de los ’90 logró a partir del éxito de su clásico Nevermind de 1991, la exposición masiva de un sonido que venía funcionando desde mediados de los ochenta, y a la vez, de un montón de bandas, algunas más inspiradas que otras, que pertenecían a estas corrientes.

De la misma manera que el público empezó a interesarse por bandas que formaron el sonido de nirvana como The Pixies, Fang o Mudhoney, el éxito de los de Cobain permitió que salgan a la luz bandas que se colgaban de la comercialización de este nuevo sonido como Candlebox, Seven Mary Three, y etcéteras genéricos. En un intento desesperado por diferenciarse, y acusar a la comercialización del rock alternativo del cuál los medios nombraban a Nirvana la punta de lanza, la banda elige volver su sonido más abrasivo, complejizar sus composiciones, e ir dejando paulatinamente el costado más punk de la banda para experimentar con algo de noise, al estilo Sonic Youth, sus compañeros de gira en 1991. El resultado de este esfuerzo se titula In Utero.

In Utero arranca inspirado con “Serve the Servants”, y la guitarra haciendo riffs llenos de acóples, tendencia que se mantiene en todo el disco (sonando increíble, gracias a la magia de Albini, el ingeniero de grabación). La banda está llena de energía, y la batería de Grohl se encuentra bien al frente. Ejemplo por excelencia de esto es “scentless apprentice”, el único track firmado por los tres integrantes de la banda, con su ya clásico beat imitado hasta el hartazgo por cualquier baterista amateur. El tercer track del disco, “heart-shaped box”, es una de las composiciónes más complejas de Cobain, y a la vez, de las más melódicas. Uno de los primeros intentos de usar afinaciones alternativas para la banda. Si el disco hubiera mantenido este nivel durante los otros 9 tracks, posiblemente se hubiera tratado de uno de los mejores albumes de la historia.

Justo cuando Nirvana parece estar despachando el mejor album de su carrera, con tracks invencibles, de repente llega el cuarto track, “rape me”. El patrón rítmico le sonará conocido a cualquiera con un oído, es sólo nirvana tratando de parecerse a nirvana. La banda parece volver a su forma con “Frances Farmer…” sólo para volver a tropezar con “dumb”, una baladita bastante insulsa, cuyo mayor atractivo es el uso de un cello para acompañar. El disco continúa con “Very Ape”, según las leyendas, basada en el riff de “Kanishka” de los brujos. Interesante para la anecdota, pero no es mucho más que una canción rockerita.

Tras este débil tercio de disco, la banda espabila para despacharse con las que quizás sean las mejores composiciones de su carrera, dando una muestra de qué es lo que hacía a nirvana tan especial, esa furia totalmente creíble y natural contrapuesta con un sentido de la melodía afiladísimo, cortesía de la voz rasposa de Cobain. “Milk it” es la composición más compleja del catálogo de la banda, con sus riffs furiosos, y su calma diabólica. “Pennyroyal tea”, el track siguiente, quizás desentone un poco por tener esa vibra a “Nevermind”, pero no por eso deja de ser una gran canción, con un coro increíblemente potente.

A continuación suena “Radio Friendly Unit Shifter”, posiblemente el mejor track del disco, con experimentos de noise, capas de feedback, críticas a los medios que los convirtieron en super-estrellas, sarcásmo, y una de las mejores explosiones de todos los tiempos. Absolutamente brillante. Para el final, tras el punk efectista de “Tourette’s”, la banda dispara con otra balada, esta vez mucho más inspirada, “No Apologies”. La versión de la canción en el disco no es mala, pero tras escucharla en el disco unplugged, simplemente suena insulsa. Sin embargo, la melodía, el riff y la voz de Cobain son invencibles.

En conclusión, In Utero es el disco de Nirvana donde la banda suena más inspirada, creativa e innovadora. Este es el disco que los confirma y vuelve merecedores de todas las cosas buenas que se han dicho de ellos. Sin embargo, por un par de torpezas y malas elecciones de canciones (algunos b-sides, rarezas e inéditas eran mucho mejor opción, especialmente “Sappy” u “Old Age”), el disco tiene un flow torpe, que no termina de funcionar del todo, especialmente al medio. Salvo estos errores, la grandeza de las canciones está ahí, y el delivery de la banda es excelente. Quizás no sean los salvadores del rock que la prensa asume, pero si son una banda capaz de canciones brillantes, y una gran personalidad. Hubiera sido interesante un disco más para evaluar si se trató de una genialidad real o una cuestión de suerte.

Link de descarga: Mediafire
Rating total: 8.4/10

-Federico Lo Giudice